VELÁZQUEZ, DIEGO (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez; 1599-1660), el artista más importante del Siglo de Oro español. Hijo de padres de la baja nobleza, Velázquez nació en Sevilla, donde vivió hasta los veinticuatro años. Entre 1610 y 1616, estudió con Francisco Pacheco (1564-1654), el pintor más destacado de la ciudad. En 1618 se casó con la hija de Pacheco, Juana. Aunque profundamente influenciado por el compromiso de Pacheco con el ideal del pintor erudito, no imitó el estilo seco e italiano de su maestro.
Sus primeras escenas de género, incluyendo Una anciana cocinando huevos (1618, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo) y Waterseller (1619, Wellington Museum, Londres), constituyen el primer grupo coherente de pinturas figurativas seculares de un artista español. Estas obras probablemente fueron influenciadas por imágenes de temas religiosos con elaborados detalles de bodegones de artistas flamencos y del norte de Italia como Pieter Aertsen (c. 1508 / 09-1575) y Vincezo Campi (1536-1591). Sin embargo, a diferencia de estos prototipos, Velázquez redujo las escenas a lo esencial y se centró en algunas figuras y objetos representados de forma naturalista, fuertemente iluminados sobre un fondo neutro. La tranquila dignidad de las figuras y el carácter monumental de las composiciones, dotan a estas imágenes de un sentido de trascendente importancia.
En 1623, con la ayuda de cortesanos sevillanos, tuvo la oportunidad de realizar un retrato de Felipe IV (gobernó entre 1621 y 1665), que revisó unos años más tarde (1623-1626, Museo del Prado, Madrid). Velázquez evitó la apariencia de pompa tan típica del retrato barroco cortesano de la época. La pose elegante, la mirada distante y la iluminación suave y uniforme son suficientes para indicar la dignidad de un rey. Felipe nombró enseguida a Velázquez pintor real; durante las décadas siguientes, los dos desarrollaron una estrecha amistad, sin precedentes, entre un artista y un monarca español.
La interacción con Peter Paul Rubens (1577-1640) durante la visita de Rubens a Madrid en 1628-1629 influyó decisivamente en el joven artista, que trató de emular el ejemplo del pintor cortesano. Rubens estimuló el interés de Velázquez por la colección real de pintura veneciana y lo animó a ampliar su gama temática. La primera pintura de historia de Velázquez, La fiesta de Baco (1629, Museo del Prado, Madrid), introdujo una inesperada nota melancólica en el tema mitológico popular. El mendigo, que busca la limosna de los campesinos reunidos alrededor de Baco, evoca la fugacidad del placer del vino. A pesar de su originalidad, la definición incierta del espacio y la composición masificada revelan deficiencias artísticas.
Para darle la oportunidad de mejorar sus habilidades, Felipe envió a Velázquez a Italia durante más de un año (1629-1630). En Roma, conoció a destacados artistas y estudió obras antiguas y renacentistas. La fragua de Vulcano (1630, Museo del Prado, Madrid) demostró dominio de las cualidades fundamentales de la tradición clásica italiana, incluida la anatomía precisa, las expresiones y gestos dramáticos y la perspectiva espacial. También en Roma, realizó dos vistas de los jardines de la Villa Medici (ambas de 1630, Museo del Prado, Madrid), entre las primeras pinturas europeas creadas directamente a partir de la naturaleza. Superponiendo pinceladas "rotas" sobre un fondo blanco plomizo reflectante, infundió estas imágenes aparentemente casuales con una sensación de atmósfera.
De regreso a Madrid en 1631, Velázquez inició la década más productiva de su carrera. A mediados de la década, había ideado un método muy original de crear efectos ópticos mediante la aplicación de trazos cortos y gruesos de formas y tamaños infinitamente variados. Así, por ejemplo, cuando se ve desde la distancia, la pincelada desordenada que cubre las prendas del rey en Felipe IV de España en Marrón y Plata (1635, National Gallery, Londres) se convierte en un registro convincente de la apariencia de la tela bordada. Aunque animados por el manejo libre de la pintura y una gama de colores más brillante, los retratos reales posteriores conservan la franqueza y la naturalidad de sus primeros trabajos en la corte.
A lo largo de la década de 1630, supervisó importantes proyectos decorativos en palacios reales. Para la Sala de los Reinos del Buen Retiro, Madrid, ideó un programa coherente de pinturas de batalla, imágenes mitológicas y retratos. Para esta serie, produjo el Rendición de Breda (1635, Museo del Prado, Madrid), obra maestra de la época. Al representar al general español con su brazo sobre el hombro del líder holandés derrotado, visualizó el ideal de la misericordia en la victoria, tratado en varias obras contemporáneas del dramaturgo de la corte Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). Velázquez estudió con detenimiento retratos, planos de batalla y demás documentación para dotar de un aura de autenticidad a esta concepción imaginaria del suceso. Sus pinturas para la Torre de la Parada, un pabellón de caza cerca de Madrid, incluían dos retratos comprensivos y psicológicamente perspicaces de enanos, Francisco Lezcano y Diego de Aceda (ambos 1636-1640, Museo del Prado, Madrid). También creado para la Torre, Marte (1640, Museo del Prado, Madrid) representó ingeniosamente al antiguo dios de la guerra contemplando sus frustraciones amorosas.
En las últimas dos décadas de su carrera, Velázquez redujo el alcance (aunque no la calidad) de su producción artística al dedicarse al servicio personal del rey. Su Venus y Cupido (c. 1648, National Gallery, Londres) es uno de los pocos desnudos femeninos de un artista español de principios de la era moderna. La pose sensual, el uso provocativo de la imagen especular y los colores ricos y luminosos contribuyen al encanto erótico de esta imagen. Entre 1649 y 1651, Velázquez viajó a Italia para comprar arte para la colección real. Su Inocente X (1649-1650, Galleria Doria-Pamphili, Roma) expresó la intensa energía psicológica del anciano pontífice. En la exposición de 1650 de la Congregazione dei Virtuosi en Roma, expuso la recién terminada Juan de Pareja (1650, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). Utilizando fórmulas de composición asociadas con el retrato aristocrático, enfatizó la dignidad de su sirviente moro.
El excepcionalmente grande Las chicas (1656; Damas de honor, Museo del Prado, Madrid) se considera la expresión por excelencia de sus aspiraciones artísticas. Velázquez se representó a sí mismo de pie confiado en su caballete, en compañía de la princesa Margarita y sus asistentes. En el espejo de la pared trasera se reflejan el rey y la reina, cuya visita a su estudio significa la aprobación real de su arte.
Intrigado por Las chicas Pablo Picasso (1881-1973) creó cuarenta y cuatro variaciones sobre él en 1957 (todas en el Museo Picasso, Barcelona). Édouard Manet (1832-1883) es uno de los muchos otros artistas modernistas que se inspiraron en las obras de Velázquez.