La concepción y el estatus del artista

En la Edad Media, todas las habilidades que se podían aprender, incluido lo que hoy llamamos "arte", se clasificaban como liberales (intelectuales) o mecánicas (manuales). Las siete artes liberales se dividieron en trivium (tres enfoques) y quadrivium (cuatro enfoques). El trivium comprendía gramática, el estudio del lenguaje; retórica, el arte de la persuasión; y dialéctica, la búsqueda de la filosofía, mientras que el quadrivium incluía las disciplinas matemáticas de aritmética, geometría, astronomía y música. Las siete artes mecánicas mucho menos prestigiosas (hoy conocidas como actividades vocacionales) consistían en tejer, hacer armaduras, navegación, agricultura, caza, medicina y las artes vivas o deportes.

En la Italia del Renacimiento temprano, la posición de un individuo en la sociedad dependía de una serie de factores, el más importante de los cuales era el rango asociado al nacimiento o la ocupación. La ocupación de uno siempre se evaluó sobre la base de su proximidad o distancia del trabajo físico. Incluso en la antigüedad las artes visuales habían pertenecido a la categoría definida como manual y, por lo tanto, en la Edad Media se ubicaron entre las artes mecánicas humildes. El mayor prestigio intelectual de la poesía se basó en su alianza con la retórica en el trivium, mientras que la música se incluyó en el quadrivium. De hecho, tanto la poesía como la música se incluyeron en el plan de estudios universitario, mientras que la instrucción en artes visuales se limitó a los talleres de artesanos hasta el surgimiento, más tarde, de las academias. Así, lo que hoy consideramos la creación de arte se definió como la fabricación de artefactos, y el artista se caracterizó como un artesano con una baja posición social concomitante. El estatus de la arquitectura era más alto que el de la pintura y la escultura en el sentido de que se basaba evidentemente en las artes liberales de la aritmética y la geometría y también requería la mayor supervisión del trabajo, lo que automáticamente la convertía en la más aceptable socialmente. En resumen, la historia temprana del "artista" consistió en su lucha por lograr que su oficio manual fuera aceptado como lo suficientemente intelectual como para ser incluido entre las artes liberales y, por lo tanto, obtener una posición social más alta. (El artista aparece aquí como exclusivamente masculino).

Leon Battista Alberti (1404-1472) fue el primero en articular por escrito el caso de la elevación de las artes visuales por encima del nivel de las artes mecánicas en su tratado de 1435 Sobre la pintura. Las artes visuales necesitaban, pensó, una base teórica firme, por lo que se refería a las disciplinas matemáticas del quadrivium. El pintor tiene que ser lo más erudito posible, dijo, "pero le deseo sobre todo que tenga un buen conocimiento de geometría". Para demostrar la base "científica" de la pintura, Alberti dio prioridad a las matemáticas, la geometría y la teoría de las proporciones, y codificó un método de perspectiva de un punto que podría ser dominado por el artesano en ejercicio para el que tradujo. En la pintura al italiano. Leonardo da Vinci (1452-1519), el defensor más persistente de la elevación de la pintura a un arte liberal en sus escritos inéditos, también estuvo de acuerdo en que la naturaleza "científica" de la pintura residía en su dominio de las reglas de la perspectiva lineal basada en la leyes de la geometría.

Los dos componentes subyacentes a la creación de una pintura o escultura, la concepción y la ejecución, fueron caracterizados alrededor de 1400 por Cennino Cennini (c. 1370-c. 1440) como fantasía (imaginación) y operación manual (obra de arte), y por Giorgio Vasari (1511-1574) en 1568 como il mio pensiero (mi juicio meditado) y le mie mani (mis manos). La sociedad renacentista se centró en el segundo componente, el arte o, en latín, ars eso significaba la habilidad de la mano o el dominio del ilusionismo requerido para ejecutar el trabajo, una habilidad que se podía dominar con la práctica. Los propios artistas, en cambio, enfatizaron la inteligencia or templar; el talento innato o el poder creativo necesario para concebir la obra en primer lugar, que no se pudo aprender. Para Vasari, un elemento clave en el componente intelectual del arte residía en diseño (planificación / dibujo) que subyacen a las tres "artes del diseño" (pintura, escultura, arquitectura). Estos principios se incorporaron a la Academia Florentina de Diseño (fundada en 1563) que, aunque no reemplazó el sistema de aprendizaje, hizo mucho para elevar el estatus de los artistas.

Una estrategia en la campaña de la comunidad artística para reclasificar el arte como liberal fue negar el papel que juega la ejecución manual en su creación. "Pintar es una ocupación mental" (pintar es una cosa mental), escribió Leonardo da Vinci, y Michelangelo Buonarroti (1475-1564) afirmó con la misma firmeza: "Pintamos con nuestro cerebro, no con nuestras manos". (pinta con el cerebro y no con las manos). Leonardo estableció la secuencia correcta en el ciclo creativo: el pintor debe trabajar primero en la mente (mente), luego con las manos (manos). Promoviendo esta unión de ideación y trabajo, Vasari sostuvo que la mano entrenada mediaba la idea nacida en el intelecto, o, como dijo Miguel Ángel en un famoso soneto, "la mano que obedece al intelecto". (el hombre que obedece al intelecto), es decir, la mano como extensión de la mente. No fue hasta la década de 1590 que un artista (altamente idiosincrásico) se sintió lo suficientemente seguro de sí mismo como para mencionar el trabajo manual que implica la creación artística sin recurrir primero a sus principios intelectuales: "Debemos hablar con nuestras manos". (tenemos que hablar con nuestras manos), Annibale Carracci (1560-1609), fundador de la Academia Carracci de Bolonia, tiene fama de haber dicho, equiparando la mano del artista con la voz del poeta por primera vez. La escritura de tratados fue otro aspecto de la campaña para mejorar el estatus artístico y social y, a mediados del siglo XVI, los propios artistas no sólo escribieron tratados: Paolo Pino (1548), Anton Francesco Doni (1549), Vasari (1550), Benvenuto Cellini (1560), Pirro Ligorio (1570) y Giovanni Paolo Lomazzo (1580), pero algunos (Miguel Ángel a Ascanio Condivi en 1553; Cellini y Vasari) también escribieron autobiografías.

La velocidad del progreso de la lucha a largo plazo de la comunidad artística por la mejora profesional y personal difería de un país a otro en la Europa moderna temprana. En Italia, los artistas, en el siglo XVII, habían logrado renegociar dramáticamente la posición y el valor tanto del artefacto como del creador. Se desarrolló la idea de que la habilidad debería ser recompensada y, en consecuencia, mejorar las tarifas salariales. Muchos de los artefactos, que adquirieron un carácter estético elevado y una mística de grandeza, fueron redefinidos como "arte", y varios artesanos lograron reinventarse como "artistas" para ser venerados por sus poderes divinos. El ejemplo de Alberto Durero (1471-1528) en el norte y el "divino" Miguel Ángel en el sur, cuyas obras fueron percibidas por contemporáneos y sucesores como pertenecientes a un nuevo reino que trascendía la producción cultural ordinaria, fueron especialmente importantes para traer sobre este profundo cambio en los valores culturales asociados a las artes visuales.