El pintor italiano Cimabue (activo último cuarto del siglo XIII) trabajó en un estilo italo-bizantino caracterizado por un vigor y vivacidad que lo distingue del arte más convencional de su época y anticipó el estilo más natural del siglo XIV.
Cimabue, cuyo nombre de pila era Cenno de 'Pepi, probablemente nació antes de 1250. El documento más antiguo asociado con él data del 8 de junio de 1272. La única otra fase documentada de la vida de Cimabue se relaciona con su mosaico del ábside, San Juan Evangelista, en la Catedral de Pisa, con fecha de 1301-1302. Murió en algún momento después de mediados de 1302.
Algún indicio de la personalidad de Cimabue proviene de fuentes literarias. Dante mencionó a Cimabue en el Divina Comedia pero estaba más preocupado por la lección moral que debía enseñarse sobre la naturaleza transitoria de la fama que por el personaje de Cimabue: "Una vez, Cimabue pensó en mantener el campo / En la pintura; Giotto está de moda hoy; / La fama del otro está en el polvo oculto "(Purgatorio, Canto XI, 94-96, trans. Dorothy L. Sayers).
En un comentario de principios del siglo XIV sobre la Divina Comedia, Cimabue fue descrito como arrogante y altivo; sin embargo, el relato de Lorenzo Ghiberti de la leyenda, luego repetida por Giorgio Vasari, de cómo Cimabue descubrió a Giotto como un pastor que dibujaba en una piedra plana y se ofreció a entrenar al niño en el oficio del artista, sugeriría que la disposición de Cimabue también tenía un lado caritativo.
La mayoría de los ejemplos existentes del arte de Cimabue consisten en frescos y pinturas sobre paneles. Los más extensos son los frescos del crucero y el ábside de la Iglesia Superior de S. Francisco de Asís (ca. 1290). Vasari declaró que Cimabue era responsable de todas las decoraciones en la Iglesia Superior, excepto por la serie de frescos dedicados a la leyenda de San Francisco. Los críticos modernos han tendido a ver a Cimabue como el espíritu rector detrás de la decoración del crucero y el ábside, pero no necesariamente el autor de todas las escenas.
El grande Crucifixión La escena del crucero izquierdo es la obra maestra de las obras de Cimabue en Asís. El fresco, que ahora tiene la apariencia de un negativo fotográfico, resultado del ennegrecimiento de los pigmentos de plomo, es poderoso y evocador. Cimabue tomó una forma iconográfica bizantina, el Cristo muerto en la cruz, y la llenó de drama humano. Desde los suaves ritmos de los fieles de la izquierda hasta la palpitante histeria de los ángeles revoloteando sobre la cruz, Cimabue relató la historia de la Crucifixión en términos directos y humanamente comprensibles. Las figuras firmemente representadas poseen una plasticidad y una plenitud que no se encuentran comúnmente en la pintura de finales del siglo XIII y ciertamente explican por qué fue citado como el primer pintor en romper con la manera "griega" y desarrollar un estilo de pintura más natural.
Los retratos de los evangelistas en las bóvedas del cruce también revelan la habilidad de Cimabue para crear formas plenas y plásticas. Colocados en la mitad del formato triangular bastante incómodo, equilibrados en la otra mitad con un paisaje urbano, los evangelistas se sientan en tronos de madera dibujados en perspectiva distorsionada. Sus cabezas y manos tienen un volumen bastante consistente con la representación tridimensional de las cortinas.
En la Iglesia Inferior de S. Francesco es el fresco Madonna entronizada con Ángeles y San Francisco. Es una de las obras más conmovedoras de Cimabue, aunque ahora se encuentra en mal estado.
Dos madera pintada crucifijos demuestran la evolución del estilo de Cimabue. En la obra anterior, en S. Domenico, Arezzo, que probablemente data de antes de los frescos en Asís (es decir, antes de ca. 1290), el artista retuvo las convenciones tradicionales italo-bizantinas, especialmente en la definición lineal de músculos, el tratamiento de el pelo, estrías doradas en el taparrabos opaco y dos retratos de busto en los terminales. La obra posterior, anteriormente en Sta Croce, Florencia (destruida en 1966), que probablemente data aproximadamente de la misma época que los murales en Asís, mostró una nueva suavidad de modelado y abandono de algunas convenciones bizantinas, como las estrías de oro. El torso de Cristo se modeló con tonos amplios y muy variados que tendían a suprimir la apariencia de carey que se ve en el crucifijo de Arezzo. En el crucifijo de Florencia, Cimabue avanzaba en el camino hacia un mayor naturalismo.
El grande Madonna entronizada de la Iglesia de Sta Trinita en Florencia (1280-1285) es una de las mejores pinturas para estudiar para comprender el arte de Cimabue. El artista conservó una serie de motivos bizantinos, pero abandonó la lejanía austera y hierática de la típica Virgen bizantina por una calidez más suave y humana. Es más accesible, más cariñosa, más madre terrenal. Cimabue, además, mostró preocupación por la representación realista del espacio en su disposición de los ángeles alrededor del trono y en la perspectiva del trono mismo. Los cuatro bustos que aparecen en las aberturas debajo del trono no tienen precedentes. Le dan al panel una estabilidad e importancia arquitectónica que no se encuentra en ninguna otra obra de la época.
Otras lecturas
La literatura sobre Cimabue es sustancial, con la mayor parte del trabajo en italiano y alemán. Entre las obras en lengua inglesa la monografía de Eugenio Battisti Cimabue (1963; trad. 1967) es el más útil. Incluye transcripciones completas de todos los documentos, la mayoría de las fuentes más antiguas, un catálogo recibido, una buena bibliografía, y especialmente buenas reproducciones en color y en blanco y negro. Alfred Nicholson, Cimabue: un estudio crítico (1932), es básico para comprender y apreciar el papel de Cimabue en la evolución de la pintura italiana. Incluye apéndices muy útiles, con resúmenes de documentos y fuentes y listas de obras auténticas y atribuidas. □