Director de teatro británico.
Peter Brook ha sido el director de teatro más influyente del mundo durante la segunda mitad del siglo XX y más allá. Dominó las artes y las necesidades de la dirección escénica, llevándolas a un tono pocas veces visto antes, y luego ha pasado su vida profesional sometiendo la idea misma del teatro al cuestionamiento más revolucionario. En producciones y escritos internacionalmente visibles, Brook ha transformado la naturaleza y el proceso de la dirección teatral e inspirado a varias generaciones de directores más jóvenes.
Nacido en Londres, hijo de judíos emigrados de Letonia, Brook se apresuró a completar una educación en Oxford y entró en la escena del teatro inglés a la edad de veintiún años en Stratford-upon-Avon. Su primer gran vehículo fue lo que más tarde se llamaría una "producción conceptual" de Perdido Trabajos de amor, trasladando el tema medieval tardío de Shakespeare a la Francia del siglo XVIII de las pinturas de Antoine Watteau. Fue el modelo mismo del director prodigio, "el terremoto más joven que he conocido", según el productor Barry Jackson (Kustow, p. 43), y un acólito de Edward Gordon Craig (1872-1966), quien sostuvo que los directores Debe dominar todas las variadas artesanías teatrales para convertirse en artistas creativos en lugar de artesanos interpretativos. En Perdido Trabajos de amor Brook también creó un teatro emocionante a partir de una obra que prácticamente no se había producido en ese momento, un patrón que repetiría con las obras de Shakespeare entonces descuidadas, como Medida por medida (1950, con John Gielgud), El cuento de invierno (1951, nuevamente con Gielgud) , y el más famoso Titus Andronicus (1955-1957, con Laurence Olivier y Vivien Leigh) .
Entre los veinte y los treinta, Brook construyó una carrera con producciones sensacionales y de alto perfil en Stratford-upon-Avon, Londres, París, Bruselas y Nueva York. Puso su firme sello en los clásicos, las óperas y gran parte del drama contemporáneo más importante de Francia (Jean-Paul Sartre, Jean Anouilh, Jean Genet), Inglaterra (TS Eliot, Christopher Fry) y Estados Unidos (Arthur Miller, Tennessee Williams ). Esta fase de su carrera llegó a una conclusión triunfal en 1962 con un Stratford Rey Lear protagonizada por Paul Scofield, socio de Brook desde hace mucho tiempo, una producción que muchos críticos consideran la visión definitiva de mediados de siglo de la gran tragedia apocalíptica de Shakespeare.
Pero a partir de finales de la década de 1950, Brook comenzó a cuestionar los preceptos más fundamentales del arte en el que estaba logrando un éxito tan asombroso. Este período de duda y reevaluación fue estimulado por muchas fuentes: el absurdo francés y el drama político alemán, los escritos de Antonin Artaud (1896-1948), la teoría del cine francés de la "nueva ola", la exposición a compañías experimentales estadounidenses como Living Theatre y Open Teatro, viaja entre pueblos no occidentales como los indios tarahumaras de México, y sus propios experimentos en cine (Moderato cantabile, 1960). Entonces, durante la década de 1960, Brook abandonó progresivamente el teatro comercial por completo y lanzó una serie de proyectos de teatro experimental. En la Royal Shakespeare Company dirigió un taller experimental que alcanzó fama internacional con Peter Weiss's Marat / Sade (1964-1966). En el Teatro Nacional de Gran Bretaña llevó a veteranos como Gielgud e Irene Worth a través del proceso experimental con Seneca's Edipo (1968). Un taller de París sobre The Tempest con un elenco internacional dio como resultado una producción en Roundhouse de Londres (1968) que pronosticaba mucho de lo que le esperaba a Brook después de 1970. Quizás la más influyente de todas las actividades de Brook durante la década de 1960 fue su libro El espacio vacío (1968), comenzando con algunas de las palabras más famosas del teatro moderno: "Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina a través de este espacio vacío mientras alguien lo está mirando, y esto es todo lo que es necesario para que un acto de teatro sea comprometido "(p. 9).
Como para probar estas teorías y pronosticar gran parte de lo que vendría después, Brook creó una sensación internacional con su última producción importante para el teatro establecido, El sueño de una noche de verano en la Royal Shakespeare Company (1970). Ambientada en una enorme caja de paredes blancas con actores en trapecios, pilotes y pasillos superiores, la producción fusionó las técnicas del teatro experimental, el circo y la actuación asiática con las más profundas tradiciones inglesas del entretenimiento de Shakespeare.
As Soñar Actuado en Inglaterra y América, la nueva vida de Brook ya comenzaba en París, donde ocupó un teatro abandonado, las Bouffes du Nord, y reunió una compañía permanente de actores que representaban a muchos continentes e idiomas. Con este grupo Brook perfeccionó un nuevo estilo interpretativo minimalista en el que la "transparencia" y la "eliminación" se convirtieron en sus consignas, viajando a muchos continentes, experimentando con el lenguaje verbal y gestual, y creando una serie de producciones basadas en mitos y leyendas de la cultura más diversas fuentes: Orghast, El Ik, La conferencia de los pájaros, El Mahabharata, El hombre que, Tierno Bokary una variedad de experimentos de Shakespeare. Brook ocasionalmente se aventuraba más allá de este trabajo, a programas como una versión repleta de estrellas de El jardín de los cerezos y tres experimentos operísticos (La tragedia de Carmen, Impresiones de Pelléas, Don Giovanni). Y siguió escribiendo sobre teatro (El punto de cambio, 1987; No hay secretos, 1993; Evocando a Shakespeare, 1998) y sobre su propia vida (Hilos de tiempo, 1998).