El pintor italiano Alberto Burri (1915-1995) trabajó en la tradición del collage de Schwitters y los dadaístas. Su arte se caracteriza por el amor por los efectos de textura y por imágenes evocadoras de guerra y desechos industriales.
Alberto Burri nació en Città di Castello. Estudió medicina y se desempeñó como cirujano en la Segunda Guerra Mundial. Capturado por los aliados, comenzó a pintar en 1944 en un campo de prisioneros de guerra de Texas. Allí desarrolló la habilidad de su cirujano en la creación artística. Cosió trozos de arpillera, metal y madera para crear metáforas de carne desgarrada y sangrante.
Cuando Burri regresó a Roma en 1945, dejó la medicina. Sus primeras pinturas, con sus imágenes de cortes, heridas y carne desgarrada y putrefacta, recuerdan sus impresiones de tiempos de guerra. Rasgó sus materiales, los quemó y luego los cosió hábilmente, trabajando como soldado, mutilando, y como cirujano, curando amorosamente. A menudo salpicaba discretamente la composición con pintura roja, óleo negro o pequeños toques de amarillo o blanco.
El trabajo de Burri recuerda en forma de collages cubistas, el de Kurt Schwitters Merzbild, y construcciones de fantasía surrealistas. Los collages de Burri, sin embargo, carecen del nihilismo y la ira de Schwitters y se convierten en metáforas poéticas del sufrimiento. Burri resucitó los desperdicios y excrementos de la tecnología, la guerra y el tiempo, y con un sentido seguro de la textura y la composición desarrolló una obra sensual y brutal.
A finales de la década de 1950, Burri enriqueció los primeros collages de textiles, madera, pintura y yeso con restos de metal. En estos "ferris" (de la palabra italiana para hierro, hierro) sometió el metal a las mismas mutilaciones, quemaduras y curaciones a las que había sometido los materiales anteriores. Combinó el metal corroído y oxidado con cenizas, arpillera, madera y pintura. Así, las obras fusionan colores y texturas naturales con superficies quemadas, oxidadas, soldadas y pintadas.
Los ferris eran quizás menos orgánicos, evocaban menos directamente la carne herida y cada vez más un comentario sobre los estragos y desechos industriales y tecnológicos. La belleza de las primeras obras fue reemplazada por una presencia inorgánica, lo carnal por lo tecnológico: un comentario sobre la industrialización moderna.
El ferris de finales de la década de 1950 dio paso a finales de 1963 al "plastiche". Allí, Burri extendió láminas de plástico transparente sobre el lienzo, luego las perforó, las arrugó y las carbonizó. El plástico, con sus evocaciones del supermercado, del empaque, de la vida en la sociedad tecnológica, fue sometido a la misma mutilación, el característico corte, carbonización y curación, para crear bordes arrugados, cicatrices y cráteres abiertos que revelan el lienzo pintado debajo. , marcado por reflejos de las superficies translúcidas. Burri experimentó con la madera de la misma manera. La década de 1970 marcó un cambio estilístico cuando Burri comenzó a pintar abstractos grandes y de colores brillantes en hojas monumentales de tableros de partículas.
Burri evitó escrupulosamente el centro de atención, rara vez concedió entrevistas y dividió su tiempo entre las casas de Città di Castello y Los Ángeles. En 1981, se instaló en Beaulieu, Francia, cerca de Niza, y viajó de allí a Italia. A finales de los 1980 y 1990, Burri eligió Cellotex, un compuesto derivado de la escisión de la celulosa, como su medio preferido. En una serie de abstractos de negro sobre negro, empleó Cellotex para dar soporte al pigmento para crear variaciones sutiles en el tono y la textura de la pintura. Mostrando la influencia del trompe l'oeil, las formas geométricas así creadas se transforman en letras estilizadas que forman un anagrama del título de la serie.
Burri vivió para disfrutar de su reputación como una de las figuras preeminentes del arte italiano de la posguerra. Fue objeto de una gran retrospectiva en Milán en 1985, y su trabajo se exhibió en la Bienal de Venecia de 1988, el estudio del arte italiano del siglo XX montado en Londres en 1989, y como parte de una descripción general del arte italiano de la posguerra. organizado en 1994 por el Museo Guggenheim de Nueva York. En sus últimos años, sufrió de enfisema. Murió de insuficiencia respiratoria en el Hospital Pasteur de Niza el 13 de febrero de 1995.
La esencia del trabajo de Burri es la sensibilidad a la textura y la compasión por los desechos de la civilización. Sometió estos desperdicios a más humillaciones antes de sanarlos, pero del conjunto emerge una metáfora poética y estética del sufrimiento, y las composiciones mismas se convierten en evocadores objetos de compasión.
Otras lecturas
James Johnson Sweeney, marido (1955), en italiano, tiene muchas buenas reproducciones de colores, aunque el texto es inadecuado. Cesare Brandi, marido (trans. 1963), incluye reproducciones en color, texto y una breve nota biográfica. Burri recibe una breve mención en William C. Seitz, El arte del ensamblaje (1961). Alberto Burri: Grabados 1959-1977 (1977) es una retrospectiva que vale la pena. Un estudio más reciente del artista es G. Butterfield, Alberto Burri (mil novecientos ochenta y dos). Se ofrece una edición completa en inglés / italiano de sus obras de Art Books. Alberto Burri (1997). Su obituario se publicó en el New York Times el 16 de febrero de 1995. □